La década de 1900 hasta 1910 marcó una era de cambio y experimentación en el diseño gráfico. Influenciado por movimientos artísticos como el Art Nouveau, el Modernismo y el Cubismo, se caracterizó por la ornamentación, la tipografía, el uso estratégico del color y el diseño asimétrico. El auge de la industrialización y la urbanización impulsó la publicidad, generando diseños cautivadores.
El diseño gráfico de la década de 1900 hasta 1910 fue una época de cambio y experimentación en el campo del diseño. Estuvo influenciado por varios movimientos artísticos importantes, incluyendo el Art Nouveau, el Modernismo y el Cubismo, y se caracterizó por la ornamentación, la tipografía, el uso estratégico del color y el diseño asimétrico. La década de 1900 también fue una época de creciente industrialización y urbanización, lo que llevó a un aumento en la publicidad y a la creación de diseños para atraer la atención del público y vender productos. En este periodo, destacaron importantes diseñadores gráficos como Margaret Neilson Armstrong, Jane Atché, Ethel Reed y Kate Greenaway, cuyos diseños innovadores y atención al detalle han dejado una huella duradera en la historia del diseño gráfico y la ilustración.
Contexto Artístico
Contexto Histórico
Este fue un período de grandes cambios en todo el mundo, marcado por importantes avances en tecnología, ciencia y medicina, así como por importantes conflictos internacionales y cambios sociales.
Durante la década de 1900, Europa continuó compitiendo por el control de territorios en África y Asia, mientras que en Rusia se estableció el primer gobierno socialista en 1917. En Estados Unidos, se produjeron cambios sociales y políticos importantes, incluyendo la lucha por los derechos civiles de las mujeres y las minorías étnicas, y avances significativos en la industria y la tecnología. En Asia, Japón emergió como una potencia mundial después de su victoria en la guerra ruso-japonesa de 1904-1905, mientras que China luchaba por mantener su independencia y soberanía frente a la creciente presión de los países occidentales.
La década de 1900 fue un momento de importantes transformaciones en el mundo del arte y del diseño, con la emergencia de nuevas corrientes artísticas que se desarrollaron a lo largo de la década y tuvieron un impacto duradero en la cultura mundial.
Uno de los movimientos más influyentes de la década fue el modernismo, que rechazó las tradiciones artísticas del pasado y abogó por un enfoque más experimental y vanguardista. Los artistas modernistas, como Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Braque y Wassily Kandinsky, exploraron nuevas formas de expresión a través de la simplificación de formas, el uso de colores brillantes y la experimentación con la abstracción.
Además, la década de 1900 también vio el surgimiento del fauvismo, un movimiento artístico francés que enfatizaba los colores brillantes y la expresividad emocional en la pintura. Los artistas fauvistas, como Henri Matisse y André Derain, buscaron crear obras de arte que evocaran una sensación de alegría y placer visual.
Por otro lado, el arte nouveau o modernismo catalán fue una corriente artística que se desarrolló en Cataluña, España, que se caracterizó por el uso de formas curvas, la decoración floral y el énfasis en la naturaleza. Uno de sus mayores exponentes fue Antoni Gaudí, quien diseñó edificios emblemáticos en Barcelona, como la Casa Batlló y la Sagrada Familia.
Aunque el término "diseño gráfico" no se acuñó hasta más adelante en el siglo XX, la década de 1900 sentó las bases para el desarrollo del diseño gráfico como una disciplina independiente.
En el Diseño Gráfico...
Aunque el término “diseño gráfico” no se acuñó hasta más adelante en el siglo XX, la década de 1900 sentó las bases para el desarrollo del diseño gráfico como una disciplina independiente. A medida que la industria gráfica crecía, se demandaba más eficiencia en la producción de diseños para carteles, anuncios y folletos.
Algunos aspectos destacados del diseño gráfico en esa época:
En la década de 1900, el Art Nouveau tuvo una gran influencia en el diseño gráfico, con su énfasis en las formas orgánicas y las líneas curvas. Los carteles de Alphonse Mucha, con sus líneas ondulantes y colores vibrantes, son un ejemplo icónico del estilo Art Nouveau.
También hubo una mayor aceptación del uso de fotografías en el diseño gráfico en esta década. Las fotografías comenzaron a usarse en carteles publicitarios y anuncios impresos, lo que permitió a los diseñadores agregar una dimensión más realista a sus creaciones.
Otro avance importante en la década de 1900 fue la introducción de la litografía offset, una técnica de impresión que permitió la producción de diseños más detallados y precisos en grandes cantidades. Esto llevó a un aumento en la producción de materiales impresos, como libros, periódicos y revistas, y contribuyó al desarrollo del diseño editorial.
La publicidad también experimentó importantes cambios en la década de 1900, con la evolución de los medios de comunicación y el surgimiento de nuevas técnicas y estrategias publicitarias.
La prensa escrita, como los periódicos y revistas, seguía siendo el medio publicitario dominante en la década de 1900. Los anuncios de la época solían ser bastante simples y a menudo se limitaban a una imagen y un eslogan llamativo.
Sin embargo, en la década de 1900 también se produjeron importantes avances en la publicidad al aire libre, con la creciente popularidad de los carteles publicitarios y los anuncios pintados en las paredes de los edificios. Estos anuncios solían ser bastante grandes y llamativos, y se colocaban en lugares estratégicos para llamar la atención de los transeúntes.
En la década de 1900, la idea de la imagen corporativa comenzó a tomar forma. La imagen corporativa se refiere al conjunto de elementos visuales que representan a una empresa o marca, incluyendo su logotipo, colores, tipografía y otros elementos gráficos.
A medida que las empresas comenzaron a darse cuenta de la importancia de tener una identidad visual coherente y reconocible, comenzaron a trabajar con diseñadores gráficos y publicitarios para crear logotipos y otros elementos de imagen corporativa.
En esta década, algunos de los primeros ejemplos de imagen corporativa se pueden ver en las grandes empresas estadounidenses de la época, como Coca-Cola y Ford. Coca-Cola introdujo su icónico logotipo de fuente cursiva en 1893, y Ford comenzó a utilizar su distintivo logotipo oval en la década de 1900.
Además, los avances en la impresión y la tecnología de la comunicación permitieron a las empresas ampliar su alcance y crear una presencia más cohesiva a nivel nacional e incluso internacional. Las marcas comenzaron a utilizar la publicidad y otros medios para crear una imagen unificada y coherente, y para construir la lealtad de los consumidores a través de la identificación con la marca.
No obstante no podemos irnos de esta década sin destacar varios hitos que definieron su estilo:
Plakatstil
El Plakatstil, que en alemán significa “estilo de cartel”, fue un movimiento artístico y de diseño gráfico que se desarrolló a principios del siglo XX, específicamente en Alemania y Austria. También conocido como el estilo del cartel vienés o el estilo de Sachplakat, el Plakatstil se caracterizó por su enfoque en la simplicidad, la claridad y la eficacia comunicativa.
El movimiento del Plakatstil emergió como una reacción al estilo decorativo y ornamental predominante en los carteles de la época. Los diseñadores de este movimiento buscaban crear imágenes impactantes y directas que pudieran comunicar un mensaje de manera instantánea. Para lograrlo, empleaban colores vibrantes, formas geométricas simplificadas, tipografía llamativa y composiciones claras.
Los carteles del Plakatstil eran altamente estilizados y a menudo presentaban elementos abstractos o estilizados.
La escuela de Glasgow
Fue un movimiento artístico y de diseño que se desarrolló en Glasgow, Escocia, a finales del siglo XIX y principios del XX. Fue un movimiento altamente influyente que abarcó diversas disciplinas, incluyendo arquitectura, diseño de interiores, artes decorativas, pintura y diseño gráfico.
La Escuela de Glasgow se caracterizó por su enfoque en la integración del arte y el diseño en todos los aspectos de la vida cotidiana. Sus exponentes buscaban romper las barreras entre las bellas artes y las artes aplicadas, creando un estilo unificado y coherente que abarcaba desde la arquitectura hasta los muebles y los objetos decorativos.
El estilo distintivo de la Escuela de Glasgow se caracterizaba por la elegancia, la simplicidad y la integración de formas orgánicas y líneas rectas. Se inspiraron en diversas fuentes, como el arte japonés, el simbolismo y el art nouveau. El uso de patrones florales, la incorporación de motivos naturales y la atención al detalle eran elementos recurrentes.
Secesión vienesa
Este movimiento artístico y cultural que se desarrolló en Viena, Austria, a finales del siglo XIX y principios del XX. Fue una respuesta a la influencia conservadora y académica del arte y la cultura dominantes en la época y buscaba establecer una nueva y moderna identidad artística.
El movimiento de la Secesión vienesa se caracterizó por su enfoque en la integración de todas las formas de arte, incluyendo la arquitectura, la pintura, la escultura, el diseño de interiores y las artes decorativas. Los artistas de la Secesión vienesa buscaban crear un estilo de vida y un entorno cultural total que abarcara todas las facetas de la vida cotidiana.
En términos estilísticos, la Secesión vienesa se caracterizó por la ornamentación detallada, el uso de líneas curvas y sinuosas, y la influencia del arte nouveau y el simbolismo. Los artistas de la Secesión vienesa experimentaron con formas y colores innovadores, y buscaban crear un lenguaje visual único y distintivo.
Arts and Crafts
Arts and Crafts fue un movimiento artístico y social que surgió a mediados del siglo XIX en el Reino Unido, especialmente en Inglaterra. Fue una reacción a la industrialización y a la producción en masa, buscando una vuelta a los valores artesanales, la calidad y la conexión con la naturaleza.
El movimiento Arts and Crafts fue liderado por figuras destacadas como William Morris, John Ruskin y Charles Robert Ashbee. Promovieron la idea de que el diseño y la artesanía debían ser apreciados y valorados, y defendieron la idea de que los objetos hechos a mano debían ser accesibles para todos.
El enfoque central del movimiento Arts and Crafts estaba en la producción de objetos útiles y bellos a través de técnicas tradicionales de artesanía. Esto abarcaba diversas disciplinas, como la cerámica, la joyería, la encuadernación, la tapicería, el vidrio y la carpintería.
Los artistas y artesanos de Arts and Crafts se inspiraron en la naturaleza y en la estética medieval y renacentista. Buscaban la belleza en la simplicidad, la atención al detalle y la calidad de los materiales. Valores como la honestidad, la sostenibilidad y la integridad eran fundamentales para el movimiento.
Además de su enfoque en la artesanía, el movimiento Arts and Crafts también tuvo una dimensión social. Se interesó por la mejora de las condiciones laborales de los artesanos y promovió la idea de comunidades de trabajo, como las guildas medievales, donde los artistas y artesanos colaboraban y compartían conocimientos.
El legado del movimiento Arts and Crafts fue significativo. Influenció el diseño de interiores, la arquitectura y la planificación urbana, y tuvo un impacto duradero en el movimiento moderno del diseño. También sentó las bases para el resurgimiento del interés en la artesanía y en la producción local y sostenible en el siglo XXI.
Desde el punto de vista estético, el estilo de diseño gráfico de la década de 1900 varió dependiendo del movimiento artístico y cultural predominante. Sin embargo, podemos identificar algunas características comunes que se utilizaron en el diseño gráfico de esa época:
Ornamentación: Una de las características más destacadas del diseño gráfico de la década de 1900 fue la presencia de elementos ornamentales y decorativos. Estos elementos se inspiraron en la naturaleza y las formas orgánicas, y se utilizaron para crear diseños elegantes y sofisticados.
Tipografía: La tipografía jugó un papel importante en el diseño gráfico de esta época. Los diseñadores experimentaron con diferentes fuentes y estilos tipográficos, y utilizaron técnicas de composición para crear diseños interesantes y atractivos.
Colores: El uso del color en el diseño gráfico de la década de 1900 fue variado. En general, se utilizaban tonos suaves y pastel, así como tonos brillantes y saturados para atraer la atención del público. Los colores se utilizaban con cuidado y de manera estratégica para crear contrastes y destacar elementos clave.
Asimetría: El uso de diseños asimétricos también fue común en el diseño gráfico de esta época. Los diseñadores experimentaron con diseños no simétricos y composiciones inusuales para crear diseños interesantes y atractivos.
El estilo de diseño gráfico de la década de 1900 se caracterizó por la ornamentación, la tipografía, el uso estratégico del color y el diseño asimétrico. Aunque hubo variaciones en el estilo según los movimientos artísticos predominantes, estas características se mantuvieron constantes en gran parte del diseño gráfico de la época.
Europa VS Estados Unidos
Existen algunas diferencias significativas en el diseño gráfico entre Estados Unidos y Europa durante la década de 1900. A continuación se mencionan algunas de las principales diferencias:
Influencias culturales: Los diseñadores gráficos en Europa estuvieron fuertemente influenciados por los movimientos artísticos que surgieron en esa época, como el Art Nouveau y el Modernismo. En Estados Unidos, por otro lado, el diseño gráfico estuvo influenciado por la publicidad y la propaganda, y se centró más en la comercialización de productos.
Enfoque en la tipografía: Los diseñadores gráficos europeos de la década de 1900 estaban particularmente interesados en la tipografía y en la creación de nuevas fuentes y estilos tipográficos. En Estados Unidos, la tipografía también era importante, pero se enfocaba más en la legibilidad y la claridad.
Uso del color: El uso del color en el diseño gráfico europeo de la década de 1900 era más sutil y sofisticado, con tonos pastel y tonos suaves que se utilizaban en diseños decorativos y elegantes. En Estados Unidos, el uso del color era más brillante y audaz, con tonos saturados y colores vibrantes que se utilizaban para atraer la atención del público y vender productos.
Uso del espacio en blanco: Los diseñadores gráficos europeos de la época valoraban el espacio en blanco y lo utilizaban de manera efectiva en sus diseños para crear un equilibrio visual y destacar elementos clave. En Estados Unidos, el uso del espacio en blanco era menos común, ya que los diseñadores se enfocaban más en la saturación visual y en la creación de diseños llamativos.
Diseñadores relevantes
En la década de 1900, el diseño gráfico estaba en sus primeros pasos, por lo que no existían muchos diseñadores gráficos famosos o influyentes. Sin embargo, a continuación algunos de los diseñadores gráficos masculinos de los que seguramente si hemos oído hablar más relevantes de esta época:
Jules Chéret: Chéret fue un artista y diseñador gráfico francés conocido por su trabajo en carteles publicitarios en la década de 1900. Sus carteles eran vibrantes, coloridos y a menudo presentaban mujeres hermosas, y se convirtieron en una forma popular de publicidad en Francia.
Lucian Bernhard: Bernhard fue un diseñador gráfico alemán que se destacó por su trabajo en publicidad. En la década de 1900, creó una serie de carteles publicitarios simples y directos para productos como cerveza y tabaco. Su estilo se caracterizó por el uso de tipografía grande y negrita y la simplicidad en el diseño.
Peter Behrens: Behrens fue un arquitecto, diseñador y artista alemán que fue una figura importante en el movimiento Arts and Crafts en Alemania. En la década de 1900, trabajó como diseñador gráfico para empresas como AEG (una compañía de energía eléctrica) y creó logotipos y diseños de productos para la empresa.
Will H. Bradley (1868-1962) artista y diseñador gráfico estadounidense, dejó una huella duradera en el estilo Art Nouveau. Con su distintivo enfoque en líneas intricadas, tipografía audaz y la belleza natural, se convirtió en pionero del movimiento en Estados Unidos. Su trabajo, fuertemente influenciado por el Art Nouveau, se caracterizaba por motivos florales estilizados y un uso innovador del color. Además de su labor como diseñador, también se destacó como escritor e ilustrador.
Beggarstaff Brothers fue un dúo de artistas y diseñadores formado por James Pryde y William Nicholson a fines del siglo XIX en el Reino Unido. Conocidos por su enfoque innovador en el diseño de carteles, se destacaron por su estilo distintivo de ilustraciones gráficas y simplificadas. Utilizando formas geométricas y una paleta de colores limitada, lograron crear imágenes impactantes y memorables. Su influencia en el diseño gráfico ha dejado una marca duradera en la historia del arte y la publicidad. El estilo de los Beggarstaff Brothers se caracterizaba por ser gráfico, audaz y altamente simplificado. Utilizaban formas geométricas y líneas fuertes para crear imágenes distintivas y memorables. Su enfoque consistía en reducir las imágenes a sus elementos más básicos, eliminando detalles superfluos. También empleaban una paleta de colores limitada, a menudo utilizando tonos oscuros y contrastantes para lograr impacto visual. Su estilo innovador y minimalista rompía con los convencionalismos estéticos de la época y se convirtió en una influencia significativa en el diseño gráfico y la publicidad.
Diseñadoras Gráficas Destacadas
Jane Atché
(1872-1937) fue una ilustradora y diseñadora francesa conocida por su trabajo en libros infantiles y revistas de moda en la década de 1900.
Atché comenzó su carrera como ilustradora en la década de 1890, trabajando para varias publicaciones francesas. En la década de 1900, comenzó a centrarse en la ilustración de libros infantiles y se convirtió en una figura importante en el género.
Su estilo de ilustración se caracterizaba por el uso de colores brillantes y formas geométricas, y solía dibujar figuras humanas estilizadas y alargadas. Además de sus ilustraciones para libros infantiles, también trabajó en la creación de diseños de moda y publicidad.
Uno de sus trabajos más famosos fue su colaboración con la revista de moda “La Gazette du Bon Ton”, para la que creó una serie de ilustraciones de moda en la década de 1910. Estas ilustraciones se destacaban por su elegancia y sofisticación, y se convirtieron en un referente en el mundo de la moda.
A lo largo de su carrera, Atché trabajó en varios proyectos importantes, incluyendo la ilustración de libros infantiles y la creación de diseños para exposiciones internacionales. Su trabajo ha sido objeto de varias exposiciones y ha sido incluido en importantes colecciones de arte en todo el mundo.
Jane ATCHÉ
Ilustradora y diseñadora francesa, destacó en libros infantiles y revistas de moda en la década de 1900. Su estilo se caracterizaba por colores brillantes y formas geométricas. Su trabajo ha sido reconocido y expuesto internacionalmente.
Margaret Neilson Armstrong fue una diseñadora gráfica y escritora estadounidense que vivió entre 1867 y 1944. Se destacó por su trabajo en el diseño de libros, especialmente en la creación de portadas y la selección de tipografías. Armstrong se convirtió en una de las diseñadoras más importantes de la época, y se le atribuye haber ayudado a establecer el diseño de libros como una forma de arte en Estados Unidos.
Armstrong comenzó su carrera en la década de 1890 trabajando como ilustradora para revistas y libros, pero fue en la creación de portadas donde encontró su verdadera pasión. Sus diseños se caracterizaron por ser elegantes y sofisticados, con una atención especial a la tipografía y la selección de colores y materiales. Además, Armstrong también fue pionera en el uso de la impresión en relieve y la impresión en oro en la creación de portadas de libros.
Uno de los aspectos más destacados de la carrera de Armstrong fue su trabajo en la editorial Scribner’s, donde diseñó cientos de portadas de libros entre 1895 y 1902. Durante este tiempo, también escribió varios libros sobre la historia del diseño de libros y la tipografía, incluyendo “The Decorative Work of T.M. Cleland” y “Design and Copyright”.
Margaret Neilson Armstrong fue una diseñadora gráfica influyente en la década de 1900 en Estados Unidos, que contribuyó significativamente al campo del diseño de libros y portadas. Sus diseños innovadores y su atención al detalle han sido reconocidos como una importante contribución al desarrollo del diseño gráfico moderno.
Margaret Neilson Armstrong
Diseñadora gráfica y escritora estadounidense. Destacó en el diseño de portadas de libros, estableciendo el diseño como arte en Estados Unidos.
Ethel Reed (1874-1912) fue una diseñadora e ilustradora británica que se destacó por su trabajo en la década de 1890. A pesar de su corta carrera, su estilo distintivo y su enfoque en la elegancia y la simplicidad la convirtieron en una figura destacada del movimiento estético y su trabajo ha dejado una huella duradera en la historia del diseño gráfico y la ilustración.
Reed comenzó su carrera como ilustradora de libros para niños, pero su trabajo pronto llamó la atención de editores y diseñadores de moda. Fue contratada por importantes editoriales y revistas, como The Yellow Book y The Studio, y su trabajo apareció en carteles, portadas de revistas, libros y otros materiales impresos.
El trabajo de Reed se caracteriza por su estilo art nouveau, que se enfoca en formas orgánicas y líneas fluidas. En su obra, se pueden apreciar mujeres elegantes y estilizadas con vestidos largos y fluidos, rodeadas de flores y follaje. Sus ilustraciones se destacan por su uso de la técnica de la línea clara, que utiliza líneas claras y definidas para crear imágenes nítidas y precisas. Además, Reed fue una de las primeras ilustradoras en utilizar la técnica de la serigrafía, lo que le permitió producir diseños de alta calidad en grandes cantidades.
El legado de Ethel Reed ha sido objeto de varias exposiciones y ha sido incluido en importantes colecciones de arte en todo el mundo. A pesar de que su carrera fue breve, su trabajo ha sido reconocido como una importante contribución al desarrollo del diseño gráfico y la ilustración moderna.
ETHEL REED
Diseñadora e ilustradora del movimiento art nouveau. Su estilo elegante y simplificado dejó una huella duradera en el diseño gráfico y la ilustración.
Kate Greenaway (1846-1901) fue una reconocida ilustradora y escritora de libros infantiles inglesa. Su trabajo se caracterizó por la representación de niños y niñas en vestimentas victorianas, en paisajes bucólicos y por su uso de una paleta de colores suave y delicada.
Greenaway comenzó a trabajar como ilustradora a temprana edad, y su primer libro, “Under the Window” (1879), fue un gran éxito. Este libro fue el primero en presentar su estilo característico de niños y niñas con vestidos antiguos y sombreros de paja, rodeados de flores y naturaleza.
A lo largo de su carrera, Greenaway ilustró más de 50 libros infantiles, muchos de los cuales fueron escritos por ella misma. También diseñó tarjetas de felicitación y otros objetos decorativos para niños.
Su estilo de ilustración, que se conoce como “estilo de Kate Greenaway”, se volvió extremadamente popular en la época victoriana y ha tenido un impacto duradero en la literatura infantil y la ilustración. Sus libros continúan siendo publicados y admirados por su belleza y encanto, y su legado se celebra en el Museo Kate Greenaway en Maidstone, Inglaterra.
Kate Greenaway
Kate Greenaway, destacada ilustradora inglesa, retrató niños en vestimentas victorianas y paisajes bucólicos. Su estilo influyente y encantador dejó un legado duradero en la literatura infantil.
